Análisis de Espectáculo

El Principito

Uno de los clásicos de la literatura mundial del francés Antoine de Saint-Exupéry. (1900-1944) El principito es una obra literaria esplendida, llena de ternura que habla de la amistad y del amor.
Su versión porteña, nos entrega la Cia Moviendohilos, la más importante agrupación de marionetistas de la Región.
La obra utiliza varios recursos del Teatro de Animación, la manipulación directa, las marionetas, la máscara y las sombras. Toda materialidad del trabajo, muñecos y sombras es bien construida y conforma una unidad visual bastante interesante.
Las manipulaciones, por lo general están bien. Por tratarse de un reestreno, algunas aún se encuentran perdidas y principalmente no establecen relaciones entre los personajes.
Al ver el espectáculo no pude dejar de recordar la película de Stanley Donen y la fantástica actuación de Gene Wilder como el zorro. En el encuentro de este personaje con el Principito se encuentra el meollo de la obra, a partir de él, se genera el entendimiento del protagonista respecto de su destino y desencadena el desenlace del drama. La solución de la mascara encontrada por el grupo es buena, pero carece de expresividad.

Los movimientos están sin foco definido. Creo que hay dos momentos distintos en esta relación de personajes que están muy mezclados. El primer momento requiere una relación de frontalidad con la máscara. El espectador necesita más del zorro que el Principito. El cuerpo del actor no logra transportar esta máscara y hacerla viva, necesita trascender el “verse físicamente”. Posteriormente, el momento en que sus miradas se encuentran es muy importante. Para que la escena de la aproximación, que es muy inteligente, adquiera el efecto y la imagen que resume toda la obra. Re mirar esta escena puede ayudar bastante al montaje.
La iluminación es algo confusa, los focos frontales que iluminan los pasajes del Principito por los distintos planetas no funcionan a tan corta distancia de los objetos iluminados. También la ambientación de las escenas frontales parece rara. Volvemos a un problema que enfrentan los grupos que prescinden de la presencia del director. Resulta también difícil la gran tarea – y es loable su intento – de manipular música y luces aparte de los muñecos.
El Principito de Moviendohilos es una obra bella. Resulta confortante ver, principalmente, que las marionetas están insertas en un contexto de drama y no de musicales como más comúnmente las encontramos. Encanta a grandes y chicos. Ojala vuelva pronto a las salas del Puerto.
Luciano Bugmann

Cartelera

TEATRO DE TITERES
TITERES EN PELIGRO

"EL CÓNDOR Y LA PASTORCITA"

Un cóndor se ha enamorado de una pastorcilla y decide conquistarle bajando a la tierra convertido en un elegante joven. Ambos cultivan una linda amistad hasta que un día el ave decide llevársela hacia las aluras intentando que la niña lleve una vida como la de él en su nido.

Al desaparecer la pequeña pastorcilla, su familia decide comenzar una intensa búsqueda que con la ayuda de los animales de la montaña será decisiva en el desenlace de esta hermosa historia de amor.

Día: Sábado 30 y domingo 1 de mayo

Hora: 16:30 hrs

Adhesión General: $2000

Lugar: Cumming 795, Plaza Bismarck, Cerro Cárcel, Valparaíso

Contacto: (32) 259 2226 / www.teatromuseo.cl

Análisis de Espectáculo

Teatro Infantil, un Lobo Feroz

La agrupación Triciclo Pajarito trajo al Teatromuseo un interesante montaje, lleno de colores y bonitas historias.
En un blog leí que esta joven agrupación hace un “teatro infantil diferente, de vanguardia” (1). En muchos aspectos estoy de acuerdo con tal afirmación. Se preocupan en tener elementos que encanten y lleguen a niñas y niños, pero se distancian mucho de lo que comúnmente llamamos teatro infantil. Para bien, Triciclo Pajarito hace antes que todo, un buen teatro. Lo que tal vez origina el comentario que cito anteriormente es que el teatro llamado infantil es muy malo. Está cercado de trucos más que conocidos, de fórmulas repetitivas e historias poco interesantes. Felizmente éste no es el caso.
Entonces, ¿qué cosas nos llaman la atención? ¿Por qué Los cuentos del Lobo resaltan frente a los demás espectáculos?
Partimos con un notable manejo de voz y un correcto dominio del cuerpo de la actriz que interpreta las voces del primer cuadro. Pocas veces podemos encontrar estos dos elementos conjugados en una sola persona. Ella crea, mantiene y conduce el ritmo del cuento con buenas entonaciones, no compite con las sombras e interpreta las voces con mucha desenvoltura. El dominio vocal, es además, una característica importante y destacable de todo el grupo.
Otro punto importante – y como espectadores tenemos que poner atención – es el cuidado con que se producen las escenas. La estética de los dibujos y terminaciones de las figuras es bella, objetiva y tiene una línea muy ecuánime.
Un buen teatro cuenta, sin lugar a duda, con elementos llamativos, bonitos, atrayentes, pero fundamentalmente útiles, justificables y lúdicos. Lo que se pone en escena tiene que tener una función clara, que juegue con la poética que se propone.
Y si de poética hablamos, los cuentos del Lobo !la tienen bien clara! El tono obscuro del montaje, junto a la imagen poco convencional de lobo – es decir, lo que comúnmente vemos como villano se presenta como un personaje simpático y adorable – resulta en una ecuación interesante: Tensión, relajación y goce. El espectador, sea grande o chico, es atrapado por el conjunto de elementos y quedan exiguos puntos por donde aburrirse o distraerse.
Sin embargo, es interesante proponer algunas reflexiones. La primera tiene que ver con la opción de ejecución musical. La música en vivo es una contribución fundamental. Pero algunas elecciones no están acorde con el nivel general de la obra. Específicamente en el 2º cuadro, la música pasa de un aporte a una cierta monotonía. La utilización de solo un instrumento, la guitarra, y con una baja variación de los acordes, genera una situación de impaciencia más allá de lo que naturalmente se espera de la atmosfera del cuadro. Deja de “ser” ambientación en pos de “subrayarla”. No es inadecuada en su concepción, solo innecesariamente repetitiva.
La segunda tiene que ver con el muñeco Lobo que aparece en el 2º cuadro y permanece hasta el final de la obra. Según el maestro Obrazov(2) "Las posibilidades biomecánicas de los títeres son muy diversas desde cero a la elaboración máxima de los medios expresivos…” y acrecienta “…la función del títere es moverse…”. Debemos entender este “moverse” como: lo que cuenta el personaje con sus acciones, más que con sus palabras. El momento donde el muñeco u objeto rompe el límite de posibilidades del actor. Es evidente la intención de limpieza con la gestualidad del personaje, sin embargo esta limpieza es extrema, restringe la creación de “retratos” con el muñeco. No cumple con su función primordial. Tiene una partitura de movimientos – y consecuentemente de imágenes – muy escuálida. La pura presencia del muñeco suscita mucho más que eso.
También, por lo que se puede apreciar en lo restante del espectáculo – en lo que dice respecto al teatro de animación – donde las figuras y sombras adquieren fuerza y ritmos en su totalidad, con mucho juego entre sí. El muñeco Lobo causa sensación al entrar, pero a los 20 segundo ya mostró todo lo que hace y a partir de ahí se repite como imagen. Lo sostiene el texto.
El colectivo Triciclopajarito, figura positivamente en el escenario nacional porque –repito – hace un muy buen teatro, con un lenguaje poco usual, o más bien con un cuidado y respeto a su arte y su trabajo poco vistos en agrupaciones, digamos, del mismo género en Chile.

(1) Link con una entrevista del grupo al programa Tierra Urbana http://www.radiotierra.cl/node/2035

(2) Serguéi Obraztsov (1901-1992) fundador en 1931 de la primera compañía de títeres rusa, y fue autor de más de cien espectáculos realizados por marionetas. Sus obras han sido consideradas como inmortales, adquiriendo la dimensión de clásicos del arte titiritero.

Cartelera

TEATRO DE TITERES
TITERES EN PELIGRO

“EL PRINCIPITO”

La Compañía Moviendohilos presenta un renovado reestreno, una adaptación para marionetas de un clásico de la literatura Universal, “El Principito”, montaje que no se mostraba desde el año 2007.

Este espectáculo fusiona distintas técnicas del teatro de muñecos y de sombras que junto a un conmovedor relato hacen de esta puesta en escena una obra llena de magia que envuelve al espectador en el fascinante mundo de las marionetas, invitándole a reflexionar sobre la condición humana.

Día: sábado 23 Y domingo 24 de abril

Hora: 16:30 hrs.

Adhesión general: $2000

Lugar: Cumming 795, plaza Bismarck, cerro Cárcel, Valparaíso
Contacto: (32) 2592226 / www.teatromuseo.cl

Análisis de Espectáculo

El payaso y su doble

Teatromuseo recibió este fin de semana a “El Payaso y su doble”, obra autobiográfica de Óscar Zimmermann. Sin duda, uno de los mejores espectáculos que ha recibido la sala teatro.
Con un muy buen texto, relleno de actuaciones sólidas, Oscar nos da a conocer parte de su vida, llena de grandes alegrías y dolores. Transitamos por diferentes estados emotivos; reímos, añoramos y más de una lágrima vi en ojos del público. Los momentos de infancia, los sueños políticos, la familia; con sus alegrías y desventuras. Todos estos elementos llegan fuerte al espectador de una u otra manera. Es también, la historia de muchos.
A pesar de tratarse del “suicidio del clown” y Oscar ser un gran maestro de esta disciplina en Chile, El Payaso y su Doble es, sobre todo, una gran obra de teatro. Se conjugan muy bien los distintos lenguajes: actuación, narración, clown, música y circo.
La dirección es bastante limpia; las marcaciones, la ocupación del espacio, la distribución de los textos y la luz. Queda claro para dónde va el espectáculo y no nos perdemos en conjeturas. Sin embargo, algunas partes aún están muy largas, algunas escenas están dominadas por el tiempo de la música dejando ciertos bajones en la obra.
Oscar quiere matar a Maletín, ya no aguanta más a este personaje que lo acosa y lo acompaña desde su más tierna infancia. Este doble lo llevó a pagar altos costos por las decisiones de su vida. Esta dualidad está presente en todo el trabajo. La música, los útiles escenográficos, el actor y el clown, lo trágico y lo cómico, la decisión y la incertidumbre juegan a favor, para identificar con placer las duplicidades del espectáculo, del protagonista y de nosotros mismos.
Otros dobles aparecen en el espectáculo. Aún están muy presentes en la obra, el texto tal como lo escribió el autor, las marcas y desplazamientos tal como las pidió el director. Hace falta suicidar también estos dobles y que el elenco tome para sí el espectáculo. Así el clown, que es oficio de todos los actores que componen el repertorio, podrá aparecer con más libertad.
Otro factor importante de la puesta en escena y que nos provoca cierta incomodidad es que – muy distinto de las desgracias y melodramas televisivos, que a largo plazo nos hacen indiferentes – este fragmento de la vida de Oscar transformada en obra de arte, nos permite acercar al ser humano. El Clown cumple este papel importante de desnudarse y desnudarnos a la vez. Al reconocernos desvestidos y ver también así el payaso no nos da vergüenza. Nos acercamos afectuosamente a él.
El payaso y su Doble es producto de un FONDART de excelencia y resulta ser un espectáculo de excelencia.

Análisis de espectáculo

El festín de la risa, otra cuestión diferente

Después de una rápida consulta al buscador más famoso del mundo respecto del Clown en Valparaíso aparecen dos referentes: la CIA Cachiporra y el Festín de la Risa.
La primera, importante agrupación que posee verdaderos íconos como Nosferatu y La Luna es Mia.
La segunda, el Festín de la Risa, es una agrupación – ligada al Teatromuseo - que viene investigando el Clown como núcleo hace más de un año. Nace de la necesidad de producir nuevas – o reinventar antiguas – rutinas cómicas y de entregar una producción más activa, constante y de potenciar sobre todo la risa. Esta tarea nos es menor. Poco se ha escrito en la historia del clown en Valparaíso. Así lo testifica el dios Google.
En su mayoría jóvenes, estos operarios de la risa repuntan la labor del payaso, persiguen dignificar la profesión y sobretodo, ejercitar el oficio creativo en la región. Esta labor es larga, demanda esfuerzo y persistencia. Mucha persistencia. Retomar el respeto por esta nariz que llevamos en la cara, esta insignia de la inocencia, suele ser una tarea ardua. Reír, da para todo. Una nariz roja en la cara puede ser cualquier cosa, aquí dejo un pequeño ejemplo:

http://www.youtube.com/watch?v=Y82jcw7WFts&feature=related
Manifestaciones que desprestigian la profesión son muchas y crueles!

Otra Cuestión Diferente

El Festín de la Risa, Otra Cuestión Diferente es un espectáculo agradable, un trabajo que se re inventa. Las rutinas son frescas y por lo general funcionan muy bien. Las coreografías están más sólidas que en ocasiones anteriores. Es lindo ver desecha la jerarquía de los distintos Clowns con el baile. Todos a un mismo nivel de entrega. Se nota que el grupo está buscando un condicionamiento físico más homogéneo y hacía falta esta preocupación. El cuerpo del payaso, entiendo, es flexible y atento. Cuerpos hábiles tienen más posibilidades y herramientas para sorprender el espectador.
La Petunia es encantadora; con su forma coqueta conquista el espectador rápidamente. Pero, sin lugar a dudas, sus miradas e impulsos de crueldad son lo más divertido que tiene. Hace el contrapunto perfecto entre la dulzura y lo coqueta. Por ser mujer, y no son muchas en el oficio, trae consigo un abanico de posibilidades de juego. Y Petunia juega bien. Sin embargo, a veces invierte demasiado en los mismos recursos y no siempre es bueno.
Dr. Nervio, de todos los actores, es el que siempre se ve en problemas. Dan ganas de reírse con sólo mirarlo,// su descoordinación, los objetos que trae son siempre visualmente divertidos. Sus discursos sin sentido también son una gran arma que posee. Hace falta ampliar más este repertorio de frases y utilizar con mayor propiedad el juego con las cantidades; los numerosos continentes, la suma de vueltas por el mundo, el número de hijos que tuvo con los diferentes compañeros de elenco, romances, etc. También seria interesante que el clown tuviera relaciones mas concretas con los objetos que manipula y sacarlos de la condición de adorno, materializarlos en confidentes, contrincantes y un sin fin de opciones; dejar ver su humanidad también a través de los materiales que ocupa.
El Tony Patilla actúa con una excelente desenvoltura. El Baile es sin duda su fuerte y seguramente es un gran aporte a esta faceta coreográfica que viene adquiriendo la obra. Se muestra atento a su alrededor, capta y aprovecha bien los estímulos. Sin embargo, aún le resulta difícil mantener la inocencia del clown cuando busca el baile perfecto. Su mejor habilidad es el baile y seguramente es el que mejor puede equivocarse en él.
El payaso Soquete, el más experimentado de todos, domina la mirada y conoce muy bien su rutina. Es su clásico. Tal vez por conocerla demasiado, se le escapan algunos problemas que se presentan. Resuelve muy rápidamente las dificultades y a su payaso lo disfrutamos poco. Siento que el recurso de tirar el ratón al público no da para dos oportunidades. Quisiera destacar que ningún otro payaso del grupo tiene una relación tan grande y honesta con los niños como Soquete, de ahí viene su material más rico, de esta relación franca que sin hacer preguntas instala en los mas pequeños las ganas de participar y ayudarlo. Soquete los quiere y el cariño se retribuye fácilmente.

Lo más rescatable de todo es que esta agrupación es un cuerpo activo, investigador y está escribiendo la historia del Clown en nuestra región. Esperamos con ganas, rutinas que lleven estos payasos a un extremo más contestatario (no hablamos de un discurso empolvado de izquierda) y critico de su entorno. Mucho más allá de hacer reír, el payaso hace pensar. Siempre nos provocará gracia un peo y sus múltiples “poderes”, pero soy fervoroso creyente de la capacidad que tienen de hacer reír por situaciones más contundentes y llevar esta investigación a otras instancias, conquistando a cada paso el respeto de todos por este noble oficio.

Cartelera

Cuentos del lobo

Cuentacuentos con música en vivo y teatro de sombras chinescas, con el mismísimo señor don lobo como el cuentacuentero, quien ayudado por el colectivo triciclopajarito y su pantalla de proyecciones, nos relatará los mas hilarantes y siniestros cuentos de lobos, entre los cuales se encuentran: "la sopa de piedra", "el estofado del lobo", "la verdadera historia de los tres cerditos", "yo soy el mas fuerte", "señorita sálvense quien pueda", etc.

Día: sábado 16 Y domingo 17 de abril
Hora: 16:30 hrs.
Adhesión general:$2000
Lugar: Cumming 795, plaza Bismarck, cerro Cárcel, Valparaíso
Contacto: (32) 2592226 / www.teatromuseo.cl

Análisis de Espectáculo

El Día que el León Bajó la Montaña – CIA De-Dos Teatro

La Cia De-Dos Teatro actúa desde hace muchos años mezclando distintas técnicas de construcción, utilizando diversos recursos y cuentos con el fin de “compartir con el mundo nuestras inquietudes, bien para encontrar respuesta, bien para hacer denuncia, bien para preguntar, bien para conocer, o simplemente para provocar una sonrisa” según consta en su pagina WEB. Esta agrupación que cuenta con un elenco en nuestro país y otro en España, nos presentó un trabajo dinámico, de muchos colores y un mensaje muy claro.

El día que el león bajó la montaña es un trabajo franco, sin muchas pretensiones, que mantiene un dialogo directo con el público, abordando el cuidado al medio ambiente.
La puesta en escena cuenta con actores y muñecos que ayudan al protagonista, el León Hamlet – personaje simpático, desenvuelto que cautiva al espectador al entrar – a encontrar y reestablecer el corazón de la montaña y comprometer a los espectadores con la causa ecológica. Un tema que compone la visión de mundo que pretende transmitir la agrupación.

Los recursos escénicos utilizados son conocidos. El público responde muy bien a los estímulos que se les entregan. La escena de inicio es poética tanto por la luna y el sol, como por los muñecos guantes, que se reinventan como tramoyas, en un hallado muy divertido. La escenografía compuesta por telas y los movimientos y cambios que producen, provocan sorpresa en la platea.

Quiero hacer aquí una primera detención y abordar un tema que me resuena interesante.
Partamos por mirar la escena donde Hamlet arma un pic-nic. Cuando se acerca el guardabosque, el león se esconde. Al ser inquiridos por la responsabilidad de dejar el mantel olvidado, el león se oculta e instiga a los espectadores a defenderlo, evadiéndolo de su responsabilidad. El recurso funciona. Rápidamente los presentes se ponen a favor o en contra de él, generando la participación que se espera – y que siempre viene – del espectador. Sin embargo, el recurso, a pesar de ser efectivo es incoherente. A este personaje se le permite la duda, la distracción y la cobardía, pero no la mentira no es parte de su poética. El protagonista se asusta, se esconde, tiene miedo, todo esto concatenado, pero al incitar el espectador, al negar su falta – el mantel olvidado – salimos a otra discusión que al final no se concreta. Queda en el recurso dramático.
Otro ejemplo de huida de su poética es el momento donde afirma ser globalizado. Si no conoce al ser humano, no conoce la ciudad, tampoco los autos ni los semáforos. Él no es globalizado. Al afirmar que sí lo es, resulta ser chistoso, pero aleja riesgosamente el personaje de su eje, de su poesía.
Otro aspecto bastante utilizado por el grupo es el improviso. Las salidas del texto son bienvenidas por el público y denota que los actores dominan muchas herramientas. Pero principalmente disfrutan con su trabajo. Y es placentero para todos darse cuenta del goce de actuar.
Hay dos puntos que presentan falencias importantes. Lo primero, tiene que ver con la forma, todos los personajes abordan al público. Un largo y cliché “hoolaaaaa”. Esta saludo tiende a llevar el tono de la conversa, por decirlo de alguna forma, a una infantilización innecesaria. Variar los tonos, colores e intensidades de cada encuentro público/personaje tiene más que ver con lo se quiere lograr con el espectáculo.
Si por un lado vemos actores deleitándose con estar arriba del escenario, seguros divertidos y divirtiéndose, por otro, vemos muñecos que no parecen estar tan cómodos como sus compañeros humanos. No es casualidad que Pepe, el guardián del bosque logra estar más suelto que sus hermanos muñecos. Tiene una construcción que le posibilita un desplazamiento más amplio, ágil y una mirada mas definida. El pez, el perro y la montaña están distantes de lograr una comunicación integral y justificar su sentido de existir en el montaje.
El pez es un muñeco precioso, pero que está construido para ejecutar con eficiencia el salto en el mar. Pero no para hablar. Al hablar y dirigirse al público no se ven bien sus ojos, no tiene foco definido, deja de flotar y resiste dramáticamente sólo por el texto. También, con una mirada indefinida el perro incurre en la misma falta. Se mueve poco, no tiene acciones. No hace cosas. El dice las cosas que hace cuando mejor sería que simplemente las ejecutara.
Lo primordial al tener un objeto animado en escena es que se mueva. La belleza del títere está en las cosas que puede hacer. De lo contrario el muñeco pasa a cumplir un rol de adorno y punto de emisión de texto, cuando pueden ser personajes potentes que funcionen por sí solos, y así lo requiere el montaje. El espacio del teatrino es amplio y pudiera ser mejor utilizado.
Al margen de los puntos de divergencia descritos anteriormente, la agrupación DE-DOS TEATRO nos entrega un trabajo divertido, preocupado y comprometido con su entorno y que viene de una larga y respetable trayectoria.

Luciano Bugmann

Cartelera

TEATRO DE CLOWN
FESTIN DE LA RISA

“SHOW DE PAYASOS”

El Tony Soquete, Palote, Petunia y el antianimador Doctor Nervio, sumarán sus talentos para dar forma a una fiesta llena de carcajadas. Los números cómicos tienen de todo un poco: noticias de actualidad, coreografías, teatro clip, y la más profunda poesía cómica.
Totalmente simpático, extraño, diverso, parafernálico, cuático, sin-sentido, para gritar y desternillarse de risa.

Día: sábado 9 Y domingo 10 de abril

Hora: 16:30 hrs.
Adhesión general: $2000
Lugar: Cumming 795, plaza Bismarck, cerro Cárcel, Valparaíso
Contacto: (32) 2592226 / www.teatromuseo.cl

ESTRENO

Teatro de Clown

Oscar Zimermann

"EL PAYASO Y SU DOBLE”

A través de un juego de personalidades dobles, Zimmermann muestra la vida de un actor, Óscar, quien cansado de que la gente se ría de él, y el día de su cumpleaños número 55 decide en plena función dejar de ser un payaso. Tal suicidio lo ejecutará frente al público, el cual será testigo no sólo del final de “Tony Maletín”, sino que además presenciará un recorrido por la vida de este acongojado hombre.

“El payaso y su doble”, además de un homenaje a quienes se desempeñan en este rol, es una invitación a recordar parte de la historia de Chile, un paseo por los últimos 40 años de vida política y cultural del país mezclados con la vida del autor, el cual, con tintes de realidad y ficción llevará al público a emocionarse, identificarse, interactuar y sobre todo reírse.
Día: Viernes 8 y sábado 9 de Abril

Hora: 21:00 hrs.
Adhesión general: $2500 Est y 3ª edad $2000
Lugar: Cumming 795, plaza Bismarck, cerro Cárcel, Valparaíso
Contacto: (32) 2592226 / www.teatromuseo.cl

Luiz Andre Cherubini: “LOS TÍTERES, UNA MIRADA MULTIDISCIPLINARIA”

Clase magistral en Teatromuseo del Títere y el Payaso

El destacado maestro titiritero Luiz André Cherubini, del Grupo Sobrevento de Brasil, dictará la clase magistral “LOS TÍTERES, UNA MIRADA MULTIDISCIPLINARIA”, dando inicio a los talleres 2011 del Teatro-escuela, perteneciente al Teatromuseo del Títere y el Payaso

Técnicas, discursos y recursos estéticos

La actividad, a efectuarse el día 4 de abril del presente año, se centrará en el trabajo de investigación teatral realizado por la Compañía Sobrevento bajo la dirección de Luiz André, dando un paseo por las distintas técnicas abordadas por la compañía a lo largo de los años y los diferentes discursos y recursos estéticos que éstas técnicas son capaces de aportar.
Luiz André Cherubini es Licenciado en Dirección de Teatro en la Universidad de Río de Janeiro (Uni- Rio) y Comunicación Social de la Universidad Federal de Río de Janeiro (UFRJ)
Co-fundador del grupo SOBREVENTO -www.sobrevento.com.br- con 12 años de trayectoria ininterrumpida, ha dirigido la totalidad de sus montajes, participando además como animador.


Antecedentes del Evento:

Expositor: Luiz André Cherubini

Día: Lunes 4 de abril

Horario: 18:30horas

Entrada gratuita

Teatromuseo del Títere y el Payaso
Cumming 795, Cerro Cárcel
Fono 32- 2592226
Valparaíso

Análisis de Espectáculo

“MIMENTOS”

Los Artistas Rodolfo Meneses y María José Rivera estregaron al público un placentero trabajo, muy dinámico y divertido. El espectáculo junta los géneros del Mimo y la Narración Oral, lo cual deriva en una exitosa unión y un bonito resultado estético de lenguaje claro y muy objetivo.
A pesar de que esta mezcla de estilos no es nueva, Tuga y Coté, lo hacen con un brillo particular.
El espectáculo es iniciado con una bella canción entonada en francés y a capela. El Extrañamiento1 provocado en este instante prepara al espectador para lo que viene en la secuencia.
La historia es sencilla. Tuga tiene insomnio y el relato de Cote, logra que el público haga un recorrido visual, paseando por las ilustraciones vivas que nos proporciona el mimo. Tal recorrido tiene cualidades de ternura, mucho humor y una pizca de crítica.
Por un lado, percibimos la delicadeza con la voz de la actriz en los relatos – aunque en momentos, desproveída de fuerza – la buena puntuación y dicción reflejan una excelente empatía con el espectador. Por otro lado, la ternura nos llega a través de precisas ejecuciones corporales del ya conocido Mimo Tuga.
Al poner atención en el trabajo actoral de los personajes nótese que, aunque lo lograron muy bien con el espectador, hace falta que tengan un mayor contacto visual entre ambos. En algunos momentos se advierte una fragilidad en la actriz, se le va la voz y no queremos – o no podemos – mirarla. Este fenómeno no se da por falta de talento o conocimiento de las técnicas individuales de la artista, si no, resultante de la falta de equilibrio entre el protagonismo de los dos actores.

Tal como en un libro ilustrado, la palabra tiene lugar al lado de su ilustración y las cantidades de ambos recursos son de acuerdo al público que tienen como blanco. En muchos momentos la palabra en “MIMENTOS” deja de tener importancia y uno se pregunta ¿Por qué? Si la palabra está! Pero la respuesta no es tan obvia como puede parecer.

Este riesgo corre todo trabajo que prescinde de un director. Aquella figura que organiza, distribuye y potencia los talentos y herramientas escénicas. Por ejemplo, la escena donde Coté se prende en un baile frenético, es un excelente contrapunto con su figura de narradora. Es su momento, o uno de ellos. Sin embargo, tanta intervención de Tuga resta sentido al baile de la relatora.

En este espectáculo el espectador se ve envuelto en una secuencia muy entretenida de gags y situaciones divertidas. Nos reímos mucho, grandes y chicos, porque se nota la preocupación de construir situaciones cómicas que llegan a distintas edades.

Los recursos de Tuga son siempre muy efectivos. El mimo, cuando se ve abusado físicamente por el relato, utiliza muy bien su mirada reprobadora hacia Coté y nos concede risas, pero además nos permite desarrollar la capacidad de análisis del entorno. Esta mirada de reproche también podría ser muy efectiva en situaciones donde la risa no es el fin, provocar aún más interrogantes en el espectador.

Mimentos es una linda visión de mundo. De cómo encarar y enfrentar pequeñas dificultades, de cómo el mundo puede ser divertido. Es también un espectáculo que siendo porteño no lleva el tono nostálgico habitual, es más un momento de entretención inteligente que llega sin barreras a sus espectadores.

1.-Popularizado por el dramaturgo alemán Bertolt Brecht, a partir de sus estudios y lecturas del formalista ruso Viktor Chklovski, y según el autor: … El propósito del arte es promover (impart) la sensación de las cosas como ellas son percibidas y no como ellas son conocidas. El objetivo de la técnica en el arte es tornar los objetos no familiares, hacer las formas difíciles, aumentar la dificultad y capacidad de percepción...( (Shklovsky, "Art as Technique", p.12))
// Fuente: Wikipedia //En otras palabras, el arte presenta las cosas en una nueva extraña forma, desfamiliarizando el camino de lo conocido por la manipulación formal.

Luciano Bugmann